1111Was wie eine beiläufige Alltagsbeobachtung des Fotografen Fabian Kraffczyk aussieht, ist – schaut man sich die Aufnahme genauer an – eine Miniatur der Fragen zum Zustand Südafrikas nach dem Ende der Apartheid. Interessant ist dabei sicher, dass die Arbeit diese Fragen über einen Umweg formuliert. Denn auf den ersten Blick gibt die Szene ein sehr harmonisches, einfaches Leben im Township wider. Auf der Ebene der Primärfarben – blaue Hütte, gelber Hut, grüner Eimer, pinkes Kleidchen – kommuniziert die Aufnahme klare Kontraste und Schemen. Die inhaltliche Beziehung der Mutter zu ihrem Kind ist durch das archaische Prinzip der Sorge gekennzeichnet. Das Kind selbst spielt versunken und glücklich. Drittens dann die architektonische Einfachheit der Behausung, die so genannten Streichholzschachteln, die eine mehrheitlich schwarze Bevölkerung bewohnt. Auch hier verweist Armut auf ein hartes, aber einfaches Leben.

Doch das Konstruktionsprinzip der Arbeit bedient die Einfachheit und Harmonie nur vordergründig, um sie zu komplizierter Widersprüchlichkeit zerfallen zu lassen, sobald sie beim Betrachter angekommen ist. Denn erst im Kontrast zwischen fotografischer Inszenierung, gesellschaftlicher Wirklichkeit und kritischer Imagination entfaltet sich die Stärke der Aufnahme, ihr kritisches Potenzial. Man wird angesichts der fast idyllischen Szenerie einer besorgten Mutter um die angemessene Garderobe ihres spielenden Kindes erst so richtig auf die harte Wirklichkeit in Soweto verwiesen. Soweto, das als Abkürzung für South Western Townships steht und eine der vielen Elendsviertel Südafrikas ist, bekommt in Kraffczyks Arbeit gerade durch die Abwesenheit der üblichen Klischees über Armut und Gewalt einen kritischen Gehalt. Es drängt sich nach längerem Betrachten fast zwangsläufig die Frage auf, was diese Idylle so vordergründig und prekär macht und wieso auch zwanzig Jahre nach dem Ende der Apartheid Menschen immer noch so leben müssen?

Der Fokus von Guido Schwarz liegt in „Hurt myself today“ auf der Gegenüberstellung von Jockey und Rennpferd, Mensch und Tier. Es ist ein Moment des Innehaltens, in dem sich beide Seiten gegenüberstehen und trotzdem eine Gleichwertigkeit und Symbiose entsteht. Denn der Titel „Hurt myself today“ verweist zumindest visuell auf beide Parteien zu gleichen Teilen. Sieg oder Niederlage – sie affiziert immer Ross und Reiter.

Niemand entlockt dem Verfall so viel Schönheit wie der Künstler, der unter dem Pseudonym “The Black Swan” (deutsch: der Schwarze Schwan) bei seen.by vertreten ist. Black Swan dokumentiert verlassene Schlösser und Kirchen, leerstehende Hotels und Hospitäler oder längst aufgegebene Bars und Ballsäle, Schulen, Theater und Vergnügungsparks. Es sind die einst öffentlichen, lebendigen Orte, die der Betrachter nun verwaist antrifft. Es sind die ehemaligen Versammlungsplätze, Orte der gemeinsamen Freizeit, der religiösen Praxis oder weltlichen Genüsse.

Das menschliche Leben ist aus diesen Orten sichtlich verschwunden und doch sind sie nicht tot. Black Swan zeigt in seinen Arbeiten einen neuen Abschnitt der gebauten Umwelt, der voller Veränderung und Leben steckt. Es ist die Natur, die sich die verlassenen Orte langsam zurückerobert. Der Künstler hält hier einen Zustand der Transgression fest, einen Zwischenzustand, der uns als Betrachter in ihren Bann zieht. Was uns fasziniert, ist ein visuelles Paradox, es ist die Lebendigkeit der durch die Natur verursachten Un–Ordnung, die gleichzeitig auf die Stille der Räume trifft. Black Swan dokumentiert dies nicht nur auf wunderbare Weise, er lässt diesen emotionalen Zustand in seinen Fotos für uns erst eigentlich entstehen.

In der Wetterserie lässt eine kleine weiße Wolke je nach Wetterlage Regen oder Schneeregen fallen. Klar, dass Heines da Schirme aufspannt und Mützen aufsetzt. In einer anderen Mini-Serie geht es um Zeit, genauer die Mittagszeit. Und weil Heines meint, dass wir Kaninchen im Herzen sind, ist der Uhrzeiger natürlich eine Möhre. Was uns zur Obstserie führt, die mit „täuschend echt“ augenzwinkernd überschrieben ist. Heines setzt hier gekonnt den Lichteinfall ein, um ihr zweidimensionales Obst scheinbar dreidimensional aussehen zu lassen und um den Betrachter ‚hinters Licht‘ zu führen. Wir können deshalb Heines Arbeiten jedem Fan der leichten Heiterkeit nur schwer ans Herz legen.

(1) Manchmal hat man sich an einem Motiv sattgesehen. Dann ist es schön, wenn man es schnell und einfach durch ein anderes austauschen kann. Mithilfe von schmalen Leisten hat man eine Abstell- und Präsentationsfläche für Bilder, die viel Spielraum lässt. Besonders schön wirken die Bilder, wenn sie gerahmt sind.

(2) Kennt das nicht jeder: Man hat eine Menge schöner Urlaubsbilder, die man ansprechend aufhängen möchte, allerdings nerven einen die langweiligen Pinnwände und spießigen kleinen Aufstellrahmen. Dazu gibt es eine kreative Alternative. Schnapp Dir einen Ast (am besten ein schönes Exemplar vom Strand) und etwas Kordel und hänge Deine Bilder vertikal in Gruppen auf.

(3) Jedem, der die Nase voll hat von der Tristesse am Schreibtisch, könnte diese Alternative zur Pinnwand gefallen. Ein Stück Gitter oder Zaun und Klammern machen’s möglich.

(4) Wäschewaschen kann warten. Bei dieser schönen Alternative zum Nagel brauchst Du nur eine Wäscheleine und ein paar Wäscheklammern. Auch hier sind die Bilder jederzeit austauschbar.

(5) Bilder hängen wie ein Galerist. Mithilfe einer Galerieschiene kannst Du Dir ein professionelles Hängesystem nach Hause holen und Deine Bilder ganz edel an Stahl-oder Nylonseilen befestigen.

(6) Um Löcher in der Wand zu vermeiden, kann man natürlich auch einfach ein Bild kaufen, das fast die komplette Höhe des Zimmers abdeckt. Einfach auf den Fußboden stellen und an die Wand lehnen – ein Augenschmaus.

(7) Bevor Du Deinen alten Kleiderschrank oder Dein altes Regal auf den Sperrmüll wirfst, heb’ Schranktüren oder Regalböden auf. Man kann sie wunderbar präparieren und als Board für Bilderwände à la Pinterest verwenden.

Welches Foto liebst Du und was begeistert Dich daran? Ich empfinde immer wieder Freude, wenn ich mein erstes Bild aus der seen.by-Galerie sehe. Es heißt „Pure Power“ und zeigt ein Flugzeugtriebwerk. Das Bild ist frühmorgens auf dem Flughafen in Seoul, Südkorea, entstanden. Ich konnte das weiche Licht nutzen, um eine für Südkorea ganz spezielle Farbgebung zu erzeugen. Zudem liebe ich weite Flächen und Freiheit. Das Triebwerk wirkt fast abstrakt vor dem weiten Hintergrund und besonders spannend ist es, dass die Komposition den Bezug zum eigentlichen Flugzeug verschwinden lässt. Was muss eine gelungene Fotografie auf jeden Fall für Dich vermitteln? Richtig gute Bilder vermitteln eine Spannung und werfen Fragen auf. Sie fesseln den Betrachter und halten ihn fest. Um das zu erreichen, muss die Komposition stimmig sein und eine Aussage haben. Es muss eine Intention erkennbar sein. Der Bildaufbau ist für mich extrem wichtig, also die Frage: Wie setze ich ein Objekt mit dem Hintergrund oder der Umgebung in Bezug? Ich nutze sehr oft den „golden Schnitt“ für meine Kompositionen. Das ist zwar keine Pflicht, aber ich mag das sehr. Was ist die größte Quelle der Inspiration für Dich als Fotografen? Urbanität interessiert mich sehr. Städte wie Hongkong oder Shanghai sind besonders spannend, gerade bei Nacht. Ich finde es furchtbar aufschlussreich wie andere Menschen leben und in welcher Umgebung sie aufwachsen. Ein Spaziergang durch eine dieser Metropolen kann sehr inspirierend sein. Darüber hinaus finde ich weite Flächen anziehend. Sie sind nicht nur für das Auge entspannend, sondern auch für den Geist. Man kann sich treiben lassen. Zudem bieten sie die Möglichkeit, Dinge optimal zu „framen“. Und natürlich schaue ich mir auch regelmäßig Arbeiten anderer Fotografen an. Ich besitze viele Bücher, die ich regelmäßig durchblättere. Allerdings möchte ich sie nicht kopieren, sondern von den „Großen“ lernen. Ohne welche/n Fotograf/in möchtest Du nicht leben und warum? Mein großes Vorbild ist Joel Meyerowitz. Ich fotografiere zwar nicht in seinem Stil, seine Ansichten und Überlegungen zum Leben im Allgemeinen und zur Fotografie im Speziellen sind dennoch sehr stimulierend. Man kann von ihm auch sehr viel über das Thema „Framing“ und Komposition lernen. Er hat mich sehr in meiner fotografischen Entwicklung beeinflusst und ich würde ihn gerne mal live erleben. Ein toller Charakter. Welchen Teil der Erde musst du unbedingt noch als Fotograf entdecken? Ganz klar, den Teutoburger Wald vor unserer Haustür. Ich bin oft in der Natur zum Laufen oder Spazierengehen. Es gibt dort sehr viele Szenen und Situationen, die ich gerne festhalten würde. Der Wald verändert sein Gesicht so oft am Tag. Das ist unglaublich faszinierend. Unterschiedliche Lichtsituationen, Nebel, Regen – und erst die Farben. Ich arbeite gerade an einer Serie über den Heimatwald. Um meine Arbeit zu entschleunigen und mehr Ruhe hineinzubringen, habe ich mich auch dazu entschieden, ab sofort analog zu arbeiten.

Sie heben sich gegenseitig nicht auf, sondern überlagern sich zu einem widersprüchlichen und spannenden Dialog: Am Ende eines langen Tages in der touristisch erst kürzlich erschlossenen Oasenstadt steht der staubbedeckte und handbemalte VW-Bus vor der spätmittelalterlichen Festung Nizwa. Nicht nur seine Farbe ähnelt dem Fort, auch das Dach des Buses imitiert die Zinnen des baulichen Meisterwerks — und doch könnten beide Bildteile inhaltlich nicht stärker voneinander getrennt sein. Während der VW-Bus die Anstrengungen des Einzelunternehmers zeigt, der vom Tourismus lebt, und damit pars pro toto die eines ganzen Landes, steht das Fort für eine jahrhundertlange Abwehr fremder Interessen und Zugriffe. In einer globalisierten Welt kann man nicht mehr siedendes Dattel-Öl auf Fremde gießen, will uns Stadlers Bild sagen, indem die bedrohlichen Mauern in den Hintergrund rücken und der müden Ruhe des Erwerbslebens weichen. In einer globalisierten Welt umschmeichelt man –auch in einem absolut monarchistischem Sultanat– Touristen mit einem Warenangebot, das sie kennen, wollen und wofür sie harte Währung zahlen.

Erst in den letzten Jahren hat sich im Oman ein staatlich geförderter Tourismus entwickelt, der sich an internationalen Standards messen lassen muss und doch nicht mit ihnen Schritt halten kann oder mag. Diesen Zustand hat Eva Stadler sehr treffend festgehalten. Der Eiswagen mit seiner leicht verblichenen Werbung und seinen heruntergefahrenen Reifen zeugt sehr sensibel von einer Modernisierung, die schon alt aussieht, bevor sie wirklich alt ist. Diese Widersprüche machen den besonderen Charme und die Qualität des Fotos aus. Ansichtig wird man in Stadlers visueller Verdichtung einem durch die Globalisierung induzierten kulturellen Wandel, der dem westlichen Betrachter in der Regel verschlossen bleibt.